[기획] 신임교원인터뷰(2) 조현 교수(미술원 디자인과)

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신임교원인터뷰(1) 조충연(영상원 멀티미디어영상과)

 

‘학교의 주인은 학생이다.’ 이런 당위를 말하며 감동할 수도 있겠다. 하지만 정말로 그러한가. 학생이 학교의 주인이 되는 것은 교육 시스템에서 중요한 지향점이 될 수는 있겠지만, 현상을 똑바로 바라보면 학교를 이끌어가는 주체는 언제나 학생이 아니었다. 학생은 4년이 지나면 학교를 떠나지만 교원들은 은퇴 전까지 10년, 20년 이상 학교에 남는다. 어쩌면 학교를 이끌어 가는 데에 학생보다 더 중요한 책임이 부여되는 쪽은 교원이기도 하다. 지난 학기, 우리학교는 8명의 교원(△김현미(음악원 기악과) △채재일(음악원 기악과) △故김동현(연극원 연출과) △조충연(영상원 멀티미디어영상과) △하승우(영상원 영상이론과) △조현(미술원 디자인과) △유경화(전통예술원 음악과) △채수정(전통예술원 음악과))을 새롭게 임용했다. 이들의 생각과 계획, 의지를 통해 학교의 환경은 상당히 변할 수도 혹은 그렇지 않을 수도 있다. 우리신문은 ‘신임교원인터뷰’를 기획하면서 그들과 직접 만나, 특별히 학내의 교육 시스템에 대한 생각을 중점적으로 들어보기로 했다. 그들이 그리는 청사진에 주목해보면, 우리학교의 미래를 조금이나마 엿볼 수 있지 않을까.

 

신임교원인터뷰는 두번째로 디자인과의 조현 교수를 찾았다. 조충연(영상원 멀티미디어영상과) 교수가 인터뷰 도중 ‘함께’ 고민하고 있다며 자주 언급했던 바로 그 인물이다. 조현 교수는 인터뷰를 하면서 조충연 교수와 고민하고 있는 ‘K’Arts Process’에 대해 첨언했고, 나아가 또 다른 신임교원 중 한 사람인 유경화(전통예술원 음악과) 교수와 함께하고 있는 그룹스터디에 대한 이야기도 들려주었다. 그는 융합의 필요성을 학생들에게 그저 주입하는 것이 아니라, 타전공의 신임교원들과 협업하며 미리 플랫폼을 만들어보고 있었다. 유경화 교수와 조현 교수의 협업은 올해 말 퍼포먼스로 선보여질 예정이다.

 

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디자인과 학생들이 ‘세상에서 제일 바쁜 사람’ 이라고 묘사하더라. (웃음)  근래에 하고 있는 일들을 좀 소개해달라.

꼭 그런 것은 아니다. (웃음) 그렇지만 학교에 임용이 되고서 일은 정말 많아졌다. 들어오기 전에도 디자인 스튜디오를 하고 있었고, 그밖에도 본연의 작업들은 계속 이어가고 있는 편이다. 디자인 작업에서 아트 디렉션(Art Director) 일을 하거나 디자인 스튜디오와 브랜딩 관련한 일을 한다. 좀 커머셜한 작업들인데, 대기업들과 하는 작업들도 있고 중소 브랜드와도 하고 있고 개인과 하기도 한다. 연말에 국내와 홍콩에서 열릴 개인전을 준비하고도 있다.

 

항상 재밌는 것, 새로운 것을 추구하는 편인데 교원 임용이 되면서도 그런 일이 많아졌다. 학교에서는 일본이나 중국의 대학들과 함께 국제적인 워크숍을 진행할 기획도 하고 있다. 때로는 한 가지에만 집중해볼 시기가 필요하긴 하지만 매번 다양한 부분에 관심이 생겨서 이것저것 하게 된다. 좀 무리가 되기도 하다.

 

또 있다. (웃음) 유경화(전통예술원 음악과) 선생과는 일주일에 한 번씩 만나서 ‘디자인과 전통예술이 만나서 무엇을 할 수 있을까’에 대해 그룹스터디를 진행하고 있다. 교원들끼리 먼저 새로운 프로세스를 만드는 것이다. 새로운 프로세스[인풋]를 만나야 새로운 아웃풋도 나올 수 있을 거라 기대한다.

 

교원들끼리 그룹스터디를 한다는 것은 흔히 볼 수 있는 풍경은 아닌 것 같다. 무엇을 함께 공부하고 있는가?

기본적으로는 공연을 베이스로 하여 디자인과 연계할 수 있는 방향을 찾고 있다. 유경화 선생은 타악을 전공했다. 타악은 꽤나 중립적인 영역이다. 두드려서 내는 소리들은 특별히 동양(한국)적인 색이 짙은 것도 아니고, 그렇다고 서양적인 색이 짙은 것도 아니다. 국악의 영역에서 타악은 국제화를 시도해볼 가능성이 많은 분야인데, 디자인과 만나게 되면 어떤 효과를 줄 수 있을지 함께 고민하는 것이다. 서로 교차하면서 새로운 프로세스를 만들게 될지 어떨지는 아직 미지수지만 실험을 하면서 방법을 수립하는 과정에 있다. 조충연 선생에게도 제안을 드린 상태이다. 이번 연말이나 내년 초에 실제로 퍼포먼스를 한 번 하게 될 듯하다.

 

타악과 디자인이 만난다는 것은 잘 상상이 안 간다. 생소하게 들리기도 하는데 좀 더 부연을 해달라.

우리도 명확하게 무언가를 정한 것은 아니다. 음악을 중심으로 사운드비주얼라이징 작업일 수도 있고, 거꾸로 비주얼을 중심으로 시도할 수도 있을 것이다. 가령 처음 미팅을 하였을 때, 유경화 선생에게 개인적인 디자인 작업을 보여줬는데, 음악의 기보 같다는 말을 했었다. 그래픽의 룰과 방식으로 표현된 것을 타악으로 해석하여 연주할 수 있겠다는 것이다. 거꾸로 타악을 디자인으로 표현할 수 있는 방법도 있다. 조충연 선생까지 개입한다면 영상을 통해서 좀 더 비주얼적인 확장도 가능할 것 같다. 그저 학생들에게 융합을 강요하기보다 우선 선생들끼리 작업을 하여 실험적인 것을 보여줄 수도 있지 않을까. 우선은 모든 가능성을 열어두고 있는 상태다. 각각의 선생들이 진행하고 있는 서로의 워크숍에서 교차수업을 할 수도 있다. 조충연 선생과는 이미 워크숍 수업 안에서 교차를 하고 있다. 우리학교 원 전체에 수업 오픈을 했었고 영상원 학생들이나 미술원 학생들이 많이 참여했었다.

 

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80년대 당시에 디자인을 공부하는 환경은 지금과 어떤 차이가 있을까.

좋은 점도 있고 나쁜점도 있다. 지금은 디자인에 대해서 정보가 상당히 열려있다. 내가 20대 때 접했던 디자인에 관한 정보보다 더 많은 양을 지금의 학생들은 접했을 것이다. 반면 그런 식으로 정보가 지나치게 산재되어 있기 때문에  어떤 한 가지에 집중을 못 하는 점도 있다. 오히려 정보가 적고 접근이 다소 폐쇄적이었을 당시엔 어느 한 가지에 집중하고 몰입할 수 있는 환경이 조성이 되었었다. 물론 무엇이 더 낫다는 것은 아니다. 예전에는 각각의 분과들의 순수성이 좀 더 강조가 되던 시기였다. 광고디자인, 편집디자인, 영상디자인 등이 따로따로 존재했고, 융합을 원한다면 본인이 스스로 의지를 발휘해야 했다. (그래서 여러가지를 전공하려는 학생들도 있었다.) 지금은 산재된 정보가 많기 때문에 현재는 자연스럽게 융합이 요구된다. 자연스럽게 뭉쳐지고, 다양한 것으로 관심 분야가 넓어지며, 새로운 것을 두려워하지 않는 사람들이 많이 생겨났다.

 

나는 딱 아날로그에서 디지털로 넘어오는 세대였다. 학부생 1, 2학년 때는 컴퓨터를 쓰지 않았지만, 3학년으로 넘어갈 때 처음으로 맥(Mac)을 만져봤다. 맥2였는데 그것으로 디자인을 하게 되었다. 그러니까, 아날로그와 디지털의 장점을 공통적으로 경험을 해본 듯하다. 디지털 환경에서 작업을 하더라도 결국 실제 사물로 경험한다. 무언가를 미디어로 가상적인 구현을 하더라도 아날로그적인 균형이 필요한 것이다. 그래서 요즘은 오히려 융합 프로세스를 진행할 때, 아날로그로 해보려고 한다. 실제로 ‘스텐포드 D-스쿨’이나 전세계적으로 ‘IDEO’ 같은 회사들은 대단히 아날로그적인 방식으로 기획한다. 그 장점이 대단히 많다. 아날로그 스케치나 핀업(Pin-Up) 등의 과정을 통해서 토론하고 생각하여 결과물을 만들어내는 방식이다. 사실 대단히 과거의 방법이지만 지금도 여전히 효과적이고, 오히려 그러한 감각이 더 중요한 시대로 바뀌고 있다는 생각도 든다. 지금의 학생들에게는 가상에 있는 무언가를 현실로 꺼내는 건 상당히 낯설다. 하지만 그러한 단절은 이어나갈 필요가 있다. 무언가를 공유한다지만 실제로는 공유되지 못 하는 표면을 그대로 방치해두는 것이 이 시대의 감각이라고만 치부할 수는 없는 것 같다.

 

유학을 가게 된 배경과 그곳에서의 교육 환경을 듣고 싶다.

학부 때부터 유학을 가고 싶은 마음은 있었다. 그런데 나는 현업을 먼저 경험하여 [디자인에 대한] 방향을 좀 더 잡고 가고 싶었다. 93년에 학부를 졸업해서, 99년에 유학을 갔으니, 6년~7년 정도 현업을 경험한 셈이다. 물론 학부생 시절에도 계속 디자인과 관련된 아르바이트를 하면서 경험을 쌓아나갔다.

 

예일대학교(Yale Universiry)의 대학원 프로그램은 대단히 희안했다. 다양한 분야의 전문가가 선생으로 오고, 커리큘럼은 [한국] 고등학교처럼 되게 빡빡하게 짜여있다. 1, 2학년이 모두 14명으로 구성된다. 그리고 비전공생을 위해서 예비단계에 있는 네 명 정도를 더 선발하는데, 모두 같은 스튜디오에서 작업하게 된다. 물론 독립된 강의실은 존재하지만, 스튜디오에서는 서로의 작업을 보고, 같은 공간에서 공부하도록 한다. 그런데 재미있는 것은, 그래픽디자인과 14명 중에 순수하게 그래픽디자인을 전공하는 사람은 5명밖에 없었다. 나머지는 건축, 역사, 컴퓨터프로그래밍 등 심지어 언어학에서 온 사람도 있었다. 처음에는 왜 그런 식으로 구성을 하는지 의문이 가기도 했는데, 대학원장이 추구하는 학교의 지향점이 ‘다양한 사람들이 서로에게 영향을 끼칠 수 있는 환경을 조성하는 것’이었다. 한 공간에서 오랫동안 얘기하고 소통하다보면 특별히 다른 프로그램을 진행하지 않아도 새로운 관점들이 계속해서 발굴될 거라는 기대였다. 그리고 경험해보니 실제로 그랬다. 단순히 디자인 기술을 말하는 것이 아니라, 기획 의도와 만드는 방법 등을 서로 이야기해보는 것이다.

 

이와 같은 예일의 교육 환경을 경험하고는 “왜 한국에서는 그런 환경을 가진 학교가 없을까!” 생각했었다. 그러다가 한예종의 디자인과를 보게 되었는데, 교육 시스템이나 환경 등이 대단히 선구적이었다. 그게 이 학교에 오게 된 가장 첫번째 이유라고 생각한다.

 

우리학교와는 언제부터 인연이 닿았나?

한국예술종합학교는 3년 전에 특강을 하게 되면서 처음으로 인연이 닿았다. 그때 학교의 프로그램이나 환경을 보게 되었다. (다른 과는 어떤지 모르지만) 디자인과는 가장 이상적인 환경이라는 생각이 들었다. 예술학교라는 거대한 공간 속에 디자인과가 존재하는 것도 그렇고, 디자인과 내부에서도 상당히 융합적이고 진보적인 시스템이 작동하고 있었다. 학과 간의 융합이나 디자인과 내부의 융합이 모두 가능한 시스템이다. 기본적으로 디자인과는 ‘시각’, ‘제품’, ‘인터렉션(interaction)’, ‘운송’이라는 네 가지 카테고리가 있다. 우리학교에서는 그것을 과별로 쪼개지 않고 디자인과로 묶어 세부전공으로 선택하게 되어 있다. 자연스럽게 융합하도록 하는 것이다. 나는 디자인과에서 ‘융합 전공’이라는 타이틀을 가지고 임용이 되었는데, 시대적으로도 융합이 요구되는 시기에 학과가 지향하는 방향성을 상징적으로 보여주는 것이 아닐까 싶기도 하다.

 

디자인과가 예술학교 안에 위치하고 있다는 데에는 특별한 의미가 있을까. ‘디자인은 산업에 종속된 것이지 예술에 속한 것은 아니다’는 말을 하고 싶은 것은 아니다.  다만 (우리신문 지난호에 실렸던 <스티브 잡스는 예술가였나?>라는 글처럼) 기술과 예술의 만남을 특별히 강조하는 최근의 경향에 대한 견해도 여쭐 수 있을 것 같다. 

디자인과는 예술학교 안에 있는 것이 자연스럽다고 생각한다. 거꾸로 예술이 아니면 어디가 자연스러울까. 물론 디자인이라는 직종은 특별히 가지 못 할 분야도 없어서 공대에 위치할 수도 있고, 체대 내에 위치할 수도 있다. [질문자 : “체대요?”] (웃음) 스포츠와 관련된 환경과 기구 등의 디자인에 관여할 수도 있으니 말이다. 이렇게 계속해서 분야들을 넘나들며 확장하는 것이 가능할지는 모르겠다. 하지만 디자인의 태생이 가장 가까운 곳이 어디일까 생각해보면 자연스럽게 예술을 떠올리게 된다. 전세계적으로도 예술의 범주를 떠난 디자인은 없으니깐. 그렇다면 ‘디자인’이라는 것이 예술학교 내에서 해야할 일은 무엇일까. 우리는 예술을 하는 집단인가, 아니면 그것을 대변하는 집단인가, 혹은 예술을 사회와 연결할 수 있는 집단인가. 나는 마지막이라고 생각한다. 예술과 시장 사이를 연결하는 다리 역할을 하고, 이를 통해 예술과 시장 각각의 확장에 기여하는 것이 우리의 역할이 아닐까.

 

일반대학에서 디자인을 수학한 입장에서 볼 때,  우리학교의 디자인과가 특별히 구별되는 정체성을 갖고 있는가?

그렇지는 않다. 물론 나는 ‘융합 전공’이라는 타이틀을 달고 들어오긴 했지만, 학내의 융합적 발상 이전에 전제되는 것이 ‘시각’, ‘제품’, ‘인터렉션’, ‘운송’이라는 네 가지 세부전공의 독립성이다. 다른 학교의 디자인과에서도 마찬가지다. 되려 독립성이 강하기 때문에 네 가지 세부전공들은 아예 개별적인 학과로 만들어진다. 그런데 최근의 경향이라는 것은 독립이라는 전제에 융합이라는 지향점을 더하는 것이다. 한예종의 특이성이 있다면, 이름대로 예술종합학교이기 때문에 예술과의 융합이 큰 축을 이룬다는 점이다. 그것은 (의도한 것인지는 모르지만) 한예종이 태생적으로 갖고 있는 좋은 조건이면서도 동시에 한계로 작용하기도 한다.

 

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미국에서 산업디자인이 폭발적으로 성장할 때쯤,  레이몬드 로위 같은 사람들은 (그것의 좋고 나쁨을 떠나서)  기능보다는 기능이 주는 느낌에 치중했고, 당시의 환경은 어느 정도 변화했었던 듯하다.  그렇다면 최근 들어 디자인 산업에서의 변화는 어떤 것이 있으며,  그것이 학내에 끼치고 있는 영향은 무엇인가?

디자인 분야는 기능과 심미성이라는 두 가지에 집중해왔다. 나는 앞으로 가장 중요하게 될 지점은 기술적인 진보라고 느낀다. 그 때문에 융합에 대한 이야기도 자꾸 나오는 듯하다. 조충연 선생님과 ‘K’Arts Process’를 고민하는 것도 같은 맥락이다.

 

『지적자본론』이라는 책에서도 다루고 있는 현 사회의 변화는 ‘두번째 단계(Second Stage)’를 지나 ‘세번째 단계(Third Stage)’에 와 있다고 이야기 한다. 첫번째 단계에는 새로운 제품을 만드는 데에 주목하였고, 제품의 품목이 부족했던 시절이니 기능을 더하면 그것으로 끝이었다. 두번째 단계에는 안정화된 시기에서 다양성과 플렛폼에 주목했는데, 다양성과 그를 위해 유통되는 구조를 만드는 것이라 보면 된다. 과거에는 대기업 주도적인 플렛폼만이 존재했다. 시대가 변함에 따라 그러한 유통 방식이 점차 세분화 되고, 다양한 인프라가 구축되었다. 훨씬 더 로컬(Local)화, 개인화 된 것이다. 지금 TV의 환경도 IPTV 등 시청패턴이 변화에 맞게 컨텐츠를 제공하는 플랫폼으로 바뀌었다. 물론 여전히 매스라는 시장은 존재하지만 이면은 상당히 개인화 되어있다. 나는 ‘세번째 단계(Third Stage)’에서는 제품을 만들거나 다양화 하는 데에 주목하기보다 하나의 제품을 어떻게 사용할지에 대해 제안하는, 즉 개인화된 라이프스타일(Life Style)을 제안해야 한다고 생각한다.

 

시대가 새로운 오리지널을 요구한다. 지금 디자인은 바로 그 안에 있다. 첫번째 단계와 두번째 단계는 디자인과 스스로도 끝낼 수 있는 일이었지만 세번째 단계에서 현 시대가 요구하는 새로운 오리널리티(Originality)를 만들기 위해서는 융합은 불가피하다.

 

그런데 사실 최근의 경향이라고 보기에는 이미 꽤 오래된 것이 아닌가? 역사적으로도 융합이 없었던 적은 없다.

그렇기도 하다. 융합은 오래 전부터 존재해왔지만 수면 위로 올라온 것이 최근이라고 본다. 과거에도 융합을 하지 않은 적이 없었다. 모든 아티스트들은 융합을 통해 발전했고, 작품을 만들어냈다. 융합은 예술가들에게 기본적으로 내재되어 있다. 하지만 이제는 그것이 좀 더 공론화 되고, 사회 전반적으로 열리게 됐다. 디자인과에서 브랜딩, 서비스디자인, 경험디자인 등을 배우는데, 과거에는 그것을 생각 안 했을까? 정말 완전히 새로운 것일까? 그렇지 않다. 중요한 것은 무엇이 그 시대의 중요한 화두인지, 그리고 왜 그것이 화두가 되었는지 거꾸로 질문해가는 것이라고 생각한다.

 

지난 인터뷰에서 조충연 교수는 조현 교수와 함께 학내의 융합적인 예술창작 과정,  즉 ‘K-Arts Process’를 고민하고 있다는 말을 했다. 이에 대해 좀 더 구체적인 이야기를 듣고 싶다.

어떤 점에서 조충연 선생과 내가 얘기한 ‘프로토타이핑’은 예전부터 있었다고 볼 수도 있다. 현 시점에서는 신속하고 즉각적인 실행력이 필요하다. 그걸 요구하는 시대가 됐기 때문이다. 다양한 걸 시도해야 한다. 지난 인터뷰에서 조충연 선생은 “실패를 두려워하지 말자”라고 말했는데, 사실 그거다. 모든 것이 준비됐을 때 엄숙하게 발표하는 방식이 꼭 필요할까. 학교는 실패하기에 매우 좋은 환경과 안전한 방어막이다. 학교에서 실험해보고 실패하는 것은 전혀 나쁜 게 아니다. 실제 필드와는 달리 학교에서의 실패는 안정적이기 때문이다. 그러므로 다양한 워크숍에서 다양한 변수들과 함께 다양한 경험들을 해볼 필요가 있다. 색다른 아이디어로 갈 수 있는 징검다리, 연결점이 필요한 것이다.

 

‘융합’이라는 것은 사실 어떻게 될지 아무도 모르는 분야다. 정체모를 것을 누군가는 이렇다고 주장하고 또 다른 누군가는 저렇다고 주장한다. 그래서 우리도 계속해서 실험을 이어나가야 하고, 무엇이 득이 되고 무엇이 실이 될지 알아봐야 한다. 학생들도 선생들도 동시다발적으로 노력하고 있는데, 일단 신임교원들과 최대한 여러가지 만들어볼 계획이다.

 

학내에 퍼져있는 작가주의에 대해서는 어떻게 생각하는가.

작가주의가 없을 수는 없다. 전공별 순수성과 전문성을 유지하는 것은 내가 구상하는 교육 시스템 내에서도 기본적인 전제다. 융합처럼 유연한 태도와 조건을 만든다는 것이 각각의 전공을 한 곳에 욱여넣자는 말은 아니다. 전체를 다 바꿀 수는 없다. 고유의 학문은 지켜져야 한다. 다만 중요한 것은 중심축을 어디에 두고 확장을 할 것인지에 있다. 도약대를 위한 발판을 어디에 둘 것인지 말이다.

 

앞으로 우리학교에 오랫동안 남아계실 거라고 생각한다. 앞으로의 다짐을 듣고 싶다.

나는 아쉽게도 한예종에서 공부할 기회가 없었기 때문에 이곳에 구체적으로 어떤 역사가 있었는지 모른다. 하지만 기존의 선임교수들이 잘 해왔다고 느끼고, 이제는 내가 무엇을 해야할지 고민한다. 가장 나다운 프로젝트를 하는 게 좋지 않을까. 무언가를 갑자기 바꾸려는 생각하는 것은 아니다. 미술원이 개원 20년 동안 차츰차츰 변해왔듯이, 내 조그만 움직임이 커다란 행보로 이어지길 바랄 뿐이다. 디자인과뿐 아니라 영역을 넘어서 좋은 사례로 남고 싶다.

 

서안 기자

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